Reflexiones sobre la tarea.

ALGO DEBE CAMBIAR

Este año me propuse algo. Reflexionar sobre el criterio con que se trabaja en arte y en todo caso hacer propuestas. Hoy día, el significado del arte es su reposicionamiento como valor monetario. Se vende mucho arte en el mundo, muchos dicen que es el valor que mas se moviliza. Aparentemente se llego a la conclusión que las otras monedas de cambio, dinero, títulos y aun joyas, son desvalorizados como valor en si mismo con el paso del tiempo. Dicen los que saben que el arte es lo que perdura y crece progresivamente.
Se trataría entonces de ubicar o visualizar algún artista emergente, comprar barato y esperar que se promocione. Tal vez algunos conozcan la anécdota de Botero pintando custodiado por la guerrilla narco o tal vez sepan de aquellos comerciantes de droga invirtiendo grandes cantidades del circuito negro y blanqueándolo a través de la pintura, o sea la compra indiscriminada de cuadros.
Si alguien piensa que entonces es bueno la compra de arte, conviene que profundice sus convicciones a la luz de QUIEN lo compra y PARA QUE lo compra.
Sea como sea, aquí estamos hablando de circuitos ajenos al pueblo, a la gente, que se mantiene una vez mas al margen de lo que sucede, entonces el arte sigue lejos de su razón de ser, la transformación y el testimonio del paso del hombre en la tierra.
Como no puedo pelear con el narcotráfico ni con los grandes empresarios, al menos puedo en mi espacio no hacerles el juego.
Proponer entonces y ahora me acerco a lo que intentaba decir, formas de transformación en el acceso al arte, por parte de los mas postergados. Simplemente porque el poder radica en dos sectores en este mundo, los que tienen mucha plata o las grandes masas, que a la hora de los cambios en la historia alternativamente, ocuparon ese sitio.
Soy un convencido que si hubiera una transformación profunda en la estructura educativa, educación por el arte, posibilidades de expresarse en arte al alcance cualquiera, esta formación en manos de gente preparada, medios de difusión expandidos y con facilidad de manejo. Herramientas al alcance de todos, otro seria el tipo de país.
Me llamo la atención días pasados, ver un video acerca de una orquesta de chicos, orquesta sinfónica, en un colegio. Allí los chicos estaban formados para amar su música, hablaban y transmitían la aparición de la magia de la música en su vocación. La forma en que cuidaban sus instrumentos y lo que transmitían era admirable. A la hora de enterarme donde era esa escuela. No era Berlín, tampoco Austria, era una escuela municipal de Lugano I y II. Como muchos sabrán, es un sector marginal de la ciudad de Buenos Aires y por lo general denostado y discriminado, porque allí estarían los sectores marginados de la sociedad. Entonces es posible.
En esto me propongo trabajar, los convoco a que me aporten ideas y sugerencias.
También mi accionar debe cambiar, creo que Internet es un medio para rescatar, a través de todo tipo de captación de imágenes, un a escenografia que nos permita acceder a la esencia de las cosas, dejando a un lado el soporte como medio de enmarque y presentación, como valor estimable. Terminar con esta confusión de la muestra. Valorar las esencias. Una pintura puede realizarse sobre un periódico viejo y una buena imagen puede realizarse en la servilleta de un bar. Exalto y aliento a los jóvenes que realizan grafitos en las paredes y lo hacen con vocación de propuesta artística, son uno de los testimonios que ayudan a esta idea.

AGUSTIN ORTEGA BRAGADO

Critica de Oscar Gagliano
Ir al sitio de A. Bragado.

Cuando uno conoce y se encuentra frente a la obra de Agustín, le corre un frío por la espalda y verifica que esta tocando el alma con las manos al introducirse en ella. Se pone en contacto con la esencia misma del arte. Esto me surge, no por llenar de palabras un espacio, sino porque veo a la gente. Las personas que circulan alrededor de su obra. Obviamente, esto es comprendido por todos. A diferencia de la pintura, la escultura es un espacio, modifica su entorno. Esta dentro de un espacio y a su vez genera un nuevo espacio. Como arquitecto, soy el primero en reconocerlo y como en este caso, es un espacio lleno de contenido. Muy que nos pese a los arquitectos y urbanistas, donde pretendemos creer que todo esta previamente pensado en un proyecto, de pronto cae una obra como la de Bragado y los espacios crean nuevas significaciones. Creo que Agustín debe haber llegado a una comunión completa con su obra en memoria del colegio bombardeado. Allí se conjugan una serie de cuestiones, arte, propuesta, arte como eternidad y como síntesis del sentimiento de una comunidad.
El hecho de que la obra de Agustín haya sido elegida por la comunidad de Lleida para representar su memoria, debe ser la síntesis de las aspiraciones de su trabajo. Seguramente esto viene a explicar al autor, que todo el camino previo y su quehacer diario, se justifican plenamente. El artista, todos los artistas, trabajamos sin esperar compensaciones ni palmadas en la espalda, sin embargo cuando estas compensaciones, surgen no como esperadas alabanzas, sino como sentidas y ocultas emociones, lagrimas disimuladas, de cientos de rostros, que no pueden disimular conmoción ante la obra, esto es impagable. Es la talla interior que conmueve al artista
La obra de Agustín, transita una serie de caminos. Como dije, la culminación al sentido a su creación. La obra es aquí una perfecta inserción espacial donde su escultura, ocupa y crea un espacio, el monumento a la memoria. Sin embargo, hay otros aspectos de su obra.

La presencia de un mundo onírico, no real, donde los personajes, dragones y monstruos, no dejan de proponer mundos lejanos a la realidad, que expresan la posibilidad de expansión que tenemos en nuestra mente. Así como el mundo griego, construía un mundo lejano a la realidad, dioses y conflicto entre dioses, la mitología, pretendía configurar un dialogo constante con esa realidad, elevándose, es en realidad la propuesta de la obra de Agustín, crear una metáfora que nos ayude a vivir.

Con respecto a las obras que hablan de realidades no de mitología, trasuntan una relación entre lo real y lo abstracto. Personajes que se configuran de pronto en abstracciones formales, pero conservando una integralidad entre ambas formas. Aristas que se continúan, prismas que debemos recorrer visualmente para descubrir si se han transformado volviendo a la realidad o nos siguen confundiendo y todavía son una abstracción. Debemos girar nuevamente a su alrededor para redescubrirlo y esto lo convierte en poesía, cuestión difícil de plasmar en una escultura, pero sin embargo es su esencia, su personalidad. Aquí se percibe claramente, otra de las características de su trabajo, el movimiento. Su obra no es concebida como un objeto estático, justamente porque su creador, siempre imagina y ve a su obra, entre la gente.
Monstruos, sueños y espacios de vida creados dentro de una comunidad, no hacen más que modificar la forma de vida de un pueblo, crear a través del arte una metáfora de la vida.
Formas y color, novedosos, atractivos, no hacen mas que reforzar la presencia de un arte que se describe por si mismo. Quiero decir, que aunque la obra de Agustín, se percibiera solo en blanco y negro, o grises, mantendría su poesía.

Es un orgullo contar con el arte de Agustín Bragado, hacen crecer y vuelve perenne a una comunidad, felicitaciones también a los habitantes de su ciudad (Lleida) por tenerlo y cobijarlo.
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ENTREVISTA

Para la artista plástica Sara Diciero, a su vez para elaborar una nota para una revista de arte en MEXICO.

1) Existe apoyo oficial para el desarrollo de las Artes Plásticas en general y de los artistas?
Por apoyo oficial al arte, entiendo una política integral, no solamente esporádicos apoyos financieros, becas aisladas o premios exclusivos. Esto implica una política educativa en los distintos niveles, una revalorizacion de la enseñanza por el arte (revisión absoluta de los planes educativos generales, no específicos del arte) y una perspectiva ulterior a las expectativas y proyectos de un potencial artista, hasta incluso una decisión política internacional. En este sentido no la hay.

2) Comparativamente con la etapa de tus inicios como A.P. ¿como está la situación para los jóvenes autores?
Me forme como arquitecto, aunque creo que los sueños y las utopías generacionales pueden ser compartidos. Creo que mi generación vivió intentos aislados de construir un proyecto de país diferente, ya que así entiendo que debe concebirse el problema, como una integralidad. En este aspecto, triunfó un modelo de desarrollo, donde los valores que centran el pensamiento hacia lo utilitario son los que triunfaron.

3) ¿Hay más posibilidades de desarrollo para los artistas plásticos de hoy?
Por supuesto, como siempre, mas al considerar que países o comunidades que no tenían ningún panorama de futuro, finalmente sobrevivieron y salieron adelante. Creo que la clave es tomar conciencia que el arte no se construye imitando modelos, a otros países ni a otros movimientos. Ni siquiera a falsos regionalismos, nacionalismos o algún ismo, solamente intentando un crecimiento autentico y sin aislarse de
la sociedad.

4) ¿Cuales son las tendencias estilísticas del arte argentino (en los nuevos valores, artistas comunes y artistas consolidados)
La necesidad que tenemos en forma urgente es desprendernos de las modas, quizás se las muestre también como las tendencias, algo negativo si son impulsadas por vanguardias, vanguardias que en lugar de estar manejadas por ideologías o inteligencias, están conducidas por intereses ocasionales y oportunistas.

5) ¿Que saben en el medio artístico de BsAs de otros movimientos internacionales, de otros artistas destacados en España, Italia, USA, México, China, Africa y de sus vecinos Brasil, Chile y Uruguay???
Tal vez convivan dos mundos; por un lado el real y que triunfara o deberíamos desear que triunfe, el mundo de la gran masa de artistas que intenta y como puede construir lo que intenta para trascender, dejar un legado, buscar. Por otro lado el mundo conducido por quienes intentan brindar lo que el dinero demanda, galeristas sin interés en el riesgo y artistas acomodándose a las necesidades de este mundo. Siempre recuerdo la anécdota de aquel critico que cuando Pollock no era conocido, dijo que su pintura parecía un plato de fideos. El mismo critico, cuando el artista trascendido y fue famoso, alabo su pintura la misma, la que era un plato de fideos. Dejemos que los que impulsan sus intereses sigan en su hipocresía, tengamos nosotros en claro, quienes son ellos y quienes nosotros.

6) ¿Hay crítica sustentable jeje en el arte plástico argentino?
Sinceramente NO Tal vez alguna persona muy solitariamente.

Oscar Gagliano
ogagliano@gmail.com

Las lineas de Nasca - Exposicion en la embajada de Peru en Alemania.

Las lineas de Nasca
Aminta Henrich
por Oscar Gagliano

Al producirse un evento tan especifico, como una muestra pinturas, se puede cometer el error de quedarse con la idea, que es solo el hecho físico y reconocido por todos como asistir a ver colgadas unas serie de obras de arte.

Nunca como en este caso, donde Aminta Henrich presenta sus trabajos sobre las líneas de Nasca, intervienen una serie de factores. Sus obras nos remontan a cuestiones que van mucho mas allá y nunca como en este momento de nuestra contemporaneidad, para que podamos detenernos a reflexionar, sobre nuestra visión del mundo. De modo tal, que nunca mejor entonces para reinterpretar la función del arte, sentirnos cuestionados y empujados a reinterpretar nuestra cultura.

Debo mencionar que el tema, me toma en un momento en que me encuentro escribiendo una novela sobre encuentros y desencuentros entre dos culturas. El hecho de tener que realizar algunas investigaciones sobre la cuestión precolombina y sus particulares símbolos, me empujo a un mundo fascinante, que Aminta y su obra, lo vienen a revitalizar.

Su obra, en particular lo referido a Nasca, esta llena de símbolos, que para muchas personas, inexplicablemente ajenas a este conocimiento, las deslumbrara e invitara a navegar por mundos aun desconocidos.

Este mundo, fue tomado por la artista y completado por algunos iconos físicos y presenciales, que no hacen mas que cerrar el circulo entre lo humano y lo desconocido o sobrehumano.
Los símbolos fueron reinterpretados y ubicados dentro de configuraciones artísticas, junto a texturas relacionadas con la piedra y el metal, dando al conjunto una imagen particular y al mismo tiempo contemporáneo.

Por otra parte y logrando un mensaje cultural absolutamente actual, la circunstancia muy particular de que esta muestra sea realizada en la embajada de Perú y en Alemania, no oculta la cuestión del arraigo y desarraigo, que pone a flor de piel la explicación de porque su energía especial.

La historia de artista transplantado a otra tierra, es común, quizás lo que no es tan común y convierte a esta muestra en un acontecimiento cultural insoslayable, es tomar el compromiso de aprehender y desarrollar esta cosmovisión y desarrollarla ante otras comunidades, expandiendo un mensaje universal, que puede ser comprendido desde cualquier lugar.

En este sentido es bueno resaltar, la convicción de a pesar que las imágenes de Nasca, sean interpretadas como una cuestión local y lejanas a Europa, es en esto donde radica la explicación sobre el sentido planetario que tienen sus mensajes.

Alguien dijo -creo que nunca mas apropiado el momento- que si pintas tu aldea, pintaras el mundo y en esta convicción actúa Aminta. La autora va elaborando en su obra, determinadas pautas, que al repetirse y explicarse como premisas, sostenibles en toda su obra, lo consolidan como un claro mensaje a quien quiera entenderlo.

En Recogiendo agua uno de los pocos trabajos cercanos a la figuración, se observan formas angulosas y símbolos que estarán presentes en otras obras de la serie.
En La pampa y La pampa, tablero de juegos se conjugan símbolos específicos de la cultura Nasca, la autora explora en todas sus herramientas, dándolos una ubicación y revalorización estética, o al menos una reinterpretación, según su visión.

En la obra La sombra podemos observar, un repertorio amplio de las herramientas y códigos que utiliza Aminta, para explicar su visión del mundo a través de su óptica. Allí se ven, círculos conformado por figuras o símbolos, que tiene su presencia sin llamar excesivamente la atención y convertirse en únicos protagonistas.

También recurre a figuras angulosas, recordándonos en forma permanente, la energía y la fuerza que expresan el triangulo y la pirámide. También, otra serie de símbolos gráficos, como el zig-zag o los puntos suspensivos o líneas entrecortadas, nos meten en un universo lleno de incógnitas para descifrar o simplemente navegar en el descubrimiento permanente.

En definitiva, la exposición de Aminta Henrich, plantea algunas cuestiones universales e interesantes dentro de un concepto general, pero para quien indague un poco mas y desee descubrir cuestiones de trasvasamiento cultural desarraigo y encuentro entre culturas, le resultara una experiencia impostergable para conocer, ya que será una forma de conocerse a si mismo.

OG/12-01-2007

Martín La Spina

www.martinlaspina.com.ar

Con mucho gusto opinare sobre tu obra y solo porque vos lo permites y estimas que te puede servir. Lo primero que se me ocurre decirte es que ninguna historia es igual a otra. Valores, pautas, significado del arte es algo diferente en cada uno. Un espectro muy grande que va desde la pintura me hace bien como terapia, me aleja de la rutina, pasando por me encanta... hago infinidad de adornos para la casa hasta: Es la pasión que le da sentido a mi vida. Pero, repasando tu formación, leyendo tu paso por academias tan prestigiosas y las metas que cumpliste, y llegando al final de cada una, se me ocurre que no pudiste hacerlo sin que una gran pasión te haya empujado.

En merito a recordar que mientras vos estabas formándote en el arte, ahí en La Plata, yo estaba consumiéndome los últimos días laborables, entre disgustos y problemas que mas vale no hubiera tenido, dejando pasar años, que podría haberlos dedicado al arte. En fin, que ya es historia y ahora si, los dedico íntegramente a hacer lo que me gusta, pintar y escribir. En fin, que esta aclaración tiene sentido, en virtud de que surge a las claras en principio, que en tus trabajos hay paciencia, dedicación y elaboración para visualizar que cada obra, debe llevarte un tiempo, no es el producto de un gesto compulsivo o un trazo descuidado, sino que contiene una estrategia meditada. Esta estrategia, sin embargo, no le quita espontaneidad al producto final, sino que deja sensaciones, informales y suficientemente no-estructuradas, como para que no se te catalogue fácilmente de realista o figurativo. Por otra parte, también estas lejos de caer en lo surrealista, calificativo con el que algún distraído te podría mencionar, al ver que tus escenas, complejas y enredadas harían mención a algo onírico, sin embargo tu respeto por el color, la pintura en definitiva (madres negras), aclara muy bien cual es tu producto final: el arte, la pintura por sobre cualquier otro agrupamiento.

Quiero darte una opinión diversa, no simplemente amable, porque creo que es lo que me pedís, que te diga la verdad, creo que es lo que te puede servir. Hay obras que rescatan una tendencia cargada de significados: sibila libica o incluso del tipo que yo llamaría proféticas o que pretende dejar mensajes trascendentes, pues me parece que en estos casos, lo excesivamente obvio y recurrente en muchos artistas en vos, ponen el trampolín mas debajo de lo que podes tirarte, quiero decir que con un lenguaje mas simple podes lograr un resultado mas penetrante, como de hecho lo haces. Los chicos de la guerra me parece uno de tus mejores trabajos, porque que creo que allí si se define una lenguaje pictórico, que permite ver muchas otras virtudes que van mas allá de la explicitacion de un mensaje, como en los anteriores. Fijate, que en esta obra, hay un mensaje, pero lo suficientemente cargado de lecturas temáticas, que cuanto más conoce el observador sobre la temática que alude, mas indaga en lo que ve. Quiero decir el mensaje no están obvio ni tan global como para que sea entendido en una fugaz recorrida y resuene en nuestra conciencia un si, esto ya lo vi, ya sé de que habla, sino que siga mirando, porque tiene más. Por otra parte, aquí si esta la pintura presente, y unos rápidos y certeros trazos de dibujo, pero se acompañan final y exitosamente, con manchas, espontáneas, impulsivas de sangr... perdón, de rojo, que lo ubican en un ejemplar destacado de tu obra. Debo confesarte que son una limitación en mis opiniones, los temas icnográficos, en particular aquellos que remiten a círculos: Y me quede parado en la playa o eclipse de sol pero sin embargo debo confesar contradiciéndome, que soy absolutamente consciente de que para mucha gente, estos temas, tienen una atracción casi hipnótica, algo mágico. Sé que hay razones, históricas o místicas o ambas que los atraen irremediablemente y en eso se cumple uno de nuestros más valiosos objetivos, que es la comunicación con el observador, si me pedís la opinión, te diría por ejemplo que creo que estos cuadros, serian lo mas rápidamente vendibles. Finalmente y resumiendo, vi en tu obra: obras iconograficas (danza sagrada), mitológicas- no sabría como llamarlos pero son aquellos que arman una escenografia a partir de una historia o relato, creado por vos, lo cual le da el doble valor de relato y pintura. Luego hay algo de realismo en superficie de dolor, y finalmente aquellos donde la figuración juega con la pintura (madres negras y chicos de la guerra). Sé que a lo largo del relato, fui inconscientemente, destacando y resaltando valores en estos dos últimos como ejemplo de lo que debería ser, sin embargo y lo resalto para no dejar otra idea, creo que tu pasión y en lo que mas a gusto te sentís, probablemente porque encierre otros tipos de valores en tu creación que van mas allá del oficio pictórico, están con presencia muy fuerte, estas obras donde creas leyendas, situaciones imaginadas o impensables, como en: Naturaleza muerta con... o incluso Giovanna Tuornavoni. Allí desarrollas el conjunto de tus virtudes y oficio. Te felicito y en particular, por haberte zambullido a lo que vislumbraste a tiempo que iba a ser la vocación de tu vida, suerte.
OSCAR GAGLIANO Agosto 2006

Aminta Henrich

Aminta Henrich (ir al sitio)

Estimada, me tome en serio tu pedido de opinión... y para eso me di una vuelta por tu obra. Me gusto, vi tres tendencias, un tipo de obra donde aparecen los impulsos cromáticos, donde te dejas llevar por el color sin mas que la expresión, sin preocuparte por el mensaje y convierte al trabajo en un impulso emocional, todo lo cual me parece perfecto. Luego vi un tipo de obra con un mensaje directo, una figuración simple, como el caso de esperando o más elaborada como: el ángel. Finalmente la ultima tendencia y que creo que es la que involucra a la mayoría de tus obras, expresada a través de trabajos como: Perú o la puerta, aquí es donde creo que se manifiesta tu mejor perfil, quiero decir son las que más me gustan. Hay un sutil y muy elaborado mensaje, indirecto y sugerido, donde (como en el caso de Perú) la pintura dialoga con la historia, en un justo equilibrio sin pesar una mas que la otra, donde subyace ese misterio que atrae al espectador, golpea los sentidos, pero permanece las sensaciones cuando uno se aleja, ya que permanecerá el contenido sugerido, sin ser gritado. Creo que lo sencillamente figurativo o directo, es poco para que te conformes como resultado fina de tu trabajo, ya que la mayoría de tus trabajos surgen de elaborado contenido y un excelente,
aprovechamiento de técnicas y sensaciones.
Oscar Gagliano Julio 2006

LA BUSQUEDA

El trabajo de la imagen superior, es uno mas de la ultima serie de imágenes semi-abstractas ejecutadas (primera parte 2006) en papel y formato medio.
Trato de ser coherente con una serie de características, que me comprometí conmigo mismo, a respetar al menos hasta completar la serie.
Dichas reglas de acción son: colores que no responden a una lógica, sino mas bien a un impulso, esto es en cierta forma para compensar una presentación formal de una figuración, exageradamente realista para mi gusto.
Esto significa que la presencia del realismo, debo compensarla con algún descontrol para que me satisfaga.
La definición de fauvista que apareció risueñamente, en los últimos comentarios sobre mi obra, me ayudan a afirmar el deseo, que la pintura que trato de expresar se convierta en un acento de fuerza expresionista.
Por otro lado, creo que soy fiel con mi búsqueda, cuando continuo con un trazo definido y fuerte, una línea que casi al estilo de un lápiz, muestra el trazo destacando una imagen de dibujo, que se mueve temblorosamente sobre la pintura.
La línea temblorosa es una intención que se presentara aun cuando el trabajo aborde lo abstracto.
Entonces creo que ambas oposiciones: la presencia del dibujo a través de un trazo definido, mas unos colores que rompen cualquier intento de racionalismo se oponen e interactúan. Tal vez sobre soporte de tela (próxima serie) el acercamiento, deslizamiento cercano o interconexión de la materia, entre trazo de dibujo y maza de color, interactúen y se mezclen generando una tercera posibilidad que enriquezcan la propuesta, ya lo veremos.
Por otra parte, la fuerza de una temática, cuando nos acercamos a la figuración, empuja a pensar en imágenes. En el caso de lanzarse a la búsqueda de inspiración, creo que lo que naturalmente me surge es pensar y acudir a imágenes, que forman historias en mis recuerdos. Imágenes que reconstruyen escenas del pasado y que son ricas espacialmente, es decir que permiten recorrerlas desde varios ángulos, llenas de matices y colores.
Por otro parte, basarse en imágenes de la memoria, permite dejar desactivada la razón, a tal punto que sea la percepción la que conduzca, es decir la capacidad de síntesis es la que me permite priorizar el arte a la historia, lo cual para un ejercicio figurativo es extremadamente importante, a fin de que no sea un ejercicio de representación fotográfico lo que priorizemos.
En este caso, es decir las imágenes que acompaño, se trata de un ejercicio especifico donde intento comparar dos estilos, dos alternativas diferentes.
En la imagen superior, la pintura responde a todo lo dicho anteriormente: pintura fauvista y descontrolada, trazo definido y similar a un grafito que al recorrer define un dibujo de recorrido cerrado y definido y la interacción de ambas propuestas.
La imagen inferior, intenta. En primer lugar respetar la imagen de origen pero acortando las distancias entre el pensar y ejecutar, forzando en ese ejercicio la velocidad del trazo de pintura, su certeza y control y por otro lado sintetizar la imagen, buscando privilegiar la pintura al dibujo.
También la síntesis aborda el recurso del uso de mínimos colores y tonos, de modo que la base configura una especie de monocromo (exagerando) y un color que se distingue del resto.
El hecho de quitar el control de los limites y aumentar el dinamismo del trazo, me permite la mezcla de colores, surgen entonces nuevas imágenes y trabajos diferentes, todos ejercicios en una búsqueda de la madurez.